Il Surrealismo

---

Il Surrealismo e la pittura

Il Surrealismo, nato ufficialmente con il Manifesto del Surrealismo di André Breton nel 1924, è un movimento artistico e culturale che mirava a liberare la mente dall’oppressione della razionalità e del controllo logico, esaltando il potere dell’inconscio, dei sogni, dell’automatismo psichico e dell’immaginazione.

In pittura, questo si tradusse in opere che rappresentavano mondi onirici, combinazioni inaspettate di oggetti, metamorfosi, illusioni visive e ambienti impossibili. I surrealisti cercavano di accedere a una verità più profonda, nascosta sotto la superficie del reale.

---

Max Ernst (1891–1976)

Artista tedesco, poi naturalizzato francese e americano, fu uno dei principali iniziatori del Dadaismo e in seguito uno dei protagonisti del Surrealismo. Innovatore instancabile, Ernst seppe unire una visione ironica e dissacrante della realtà a un profondo interesse per l’inconscio, il sogno e il mito.

Nato a Brühl (Germania), cresce in un ambiente artistico: il padre era pittore dilettante. Studia filosofia, psichiatria e storia dell’arte a Bonn. Durante la Prima guerra mondiale è arruolato, esperienza che lo segna profondamente. Dopo la guerra, partecipa alla fondazione del Dadaismo a Colonia (con Hans Arp) e si trasferisce a Parigi nel 1922, entrando nel gruppo surrealista di André Breton. Emigrato negli USA durante la Seconda guerra mondiale, lavora con artisti come Marcel Duchamp e Peggy Guggenheim (sua compagna per un periodo). Ritorna in Francia nel 1953, continuando a sperimentare fino alla morte.

Poetica e visione artistica

Ernst concepiva l’arte come processo di scoperta dell’inconscio, guidato da tecniche automatiche e sperimentali. Influenzato dalle teorie freudiane, dalle mitologie antiche, dal Medioevo e dalle scienze naturali, i suoi dipinti popolano mondi onirici, ambigui, talvolta inquietanti. Spesso ironico e provocatorio, ma sempre raffinatissimo nel controllo della forma.

Tecniche sperimentali

Max Ernst è stato pioniere di nuove tecniche che hanno segnato profondamente il linguaggio surrealista:

• Frottage (1925): tecnica che consiste nel sfregare una matita o un carboncino su un foglio posto sopra una superficie ruvida (legno, foglie, metallo). Ne derivano immagini casuali, poi integrate nella composizione.
  • Histoire Naturelle è un celebre esempio di questa tecnica.
• Grattage: simile al frottage, ma effettuato con la rimozione di colore dalla tela con strumenti appuntiti. Usato per evocare paesaggi misteriosi.
• Collage surrealista: Ernst sviluppò anche una forma di collage narrativo creando storie visive con immagini ritagliate da libri e giornali dell’Ottocento, riassemblate in chiave grottesca e onirica.
  • Celebri: La femme 100 têtes (1929) e Une semaine de bonté (1934).
• Decalcomania: faceva cadere colore sulla tela, poi lo copriva con carta e lo sollevava, ottenendo effetti imprevedibili.

Opere principali

• “L’angelo del focolare” (1937)
  Un dipinto che mostra una creatura deformata e distruttiva, simbolo del nazismo e della guerra. Forte contenuto politico ed espressione della crisi europea.
• “La vestizione della sposa” (1940)
  In questa opera inquietante, Ernst affronta i temi dell’erotismo, del rito e dell’archetipo femminile, usando un linguaggio visionario e perturbante.
• “Europe after the Rain II” (1940–42)
  Una visione apocalittica di un continente distrutto dalla guerra, ottenuta con decalcomania e grattage. Paesaggio fantastico e sinistro, quasi alieno.
• “Capricorne” (1947)
  Scultura in bronzo realizzata negli Stati Uniti, rappresenta figure mitiche simili a totem. Sintesi perfetta tra surrealismo, arte primitiva e simbolismo.

Il ruolo nel Surrealismo

Ernst fu uno dei più radicali interpreti del Surrealismo visivo: seppe tradurre visivamente i meccanismi psichici inconsci (sogni, traumi, associazioni libere), rompendo con la pittura tradizionale e introducendo un nuovo modo di concepire l’immagine. Fu anche un intellettuale sofisticato, autore di testi teorici, aforismi e romanzi-collage. Collaborò con i più grandi del suo tempo: Breton, Arp, Miró, Dalí, Duchamp, Tanguy, diventando un punto di riferimento per le avanguardie successive.

Influenza postuma

Il linguaggio visivo di Ernst influenzò l’arte astratta americana (es. Pollock, Motherwell) il Pop surrealism contemporaneo e la narrativa e il cinema visionario

---

Joan Miró (1893–1983)

Pittore, scultore e ceramista spagnolo, nato a Barcellona, è considerato uno dei maggiori protagonisti dell’arte moderna. Il suo stile inconfondibile, fatto di linee sinuose, forme essenziali e colori vivaci, nasce da una fusione tra arte infantile, surrealismo e astrazione, con profonde radici nella cultura popolare catalana.

• Nato in una famiglia di artigiani, frequenta la Scuola d’Arte di Barcellona, dove studia pittura accademica.
• Negli anni Venti si trasferisce a Parigi, entrando in contatto con il mondo dell’avanguardia: cubismo, dadaismo e soprattutto Surrealismo.
• Firma il Manifesto Surrealista nel 1924 con André Breton, ma mantiene sempre una posizione indipendente e personale.
• Durante la Guerra civile spagnola e la Seconda guerra mondiale si rifugia tra Spagna e Francia, e continua a lavorare in una dimensione di resistenza culturale.
• Negli anni ’50-’70 si dedica anche alla scultura e alla ceramica, creando opere monumentali in spazi pubblici.
• Muore a Palma di Maiorca nel 1983.

---

Poetica e stile

Miró cerca un linguaggio visivo primordiale, che possa esprimere l’inconscio, il sogno e il mistero della natura attraverso segni essenziali e colori puri. I suoi quadri non raccontano storie, ma suggeriscono emozioni, pensieri e mondi interiori.

• Usa segni simili a ideogrammi, punti, stelle, lune, occhi, donne-uccello, che diventano un suo alfabeto visivo.
• La sua pittura è lirica, leggera, poetica, ma anche ironica e talvolta ribelle.
• Si ispira all’arte popolare, ai graffiti, al folklore catalano, al mondo infantile, alla calligrafia orientale.
• Rifiuta ogni forma di arte convenzionale e borghese: “Voglio assassinare la pittura”, dirà provocatoriamente.

---

Tecniche e sperimentazioni

Miró ha esplorato tecniche molto varie:

• Olio, tempera, acquerello, collage
• Incisioni, litografie, sculture e ceramiche
• Murales monumentali in ceramica e mosaico
• Uso di materiali poveri e gestualità quasi automatica, vicina all’action painting

---

Opere principali

“La fattoria” (1921–1922)

• Realizzato prima dell’approdo pieno al surrealismo, è un’opera di transizione. Un microcosmo rurale catalano dettagliatissimo e simbolico, dove ogni oggetto sembra carico di vita.
• Ernest Hemingway l’amava tanto da definirlo “un’opera che contiene tutta la Spagna”.

“Il carnevale dell’arlecchino” (1924–1925)

Considerata una delle sue prime opere pienamente surrealiste. Uno spazio onirico popolato da creature ibride e allegoriche: un teatro dei sogni che mescola gioco, inquietudine e libertà.

“Danza del sole” (1927) / “Blu I, II, III” (1961)

Esempi della fase più astratta e gestuale, con campiture monocrome e segni minimi, che trasmettono una profondissima sensazione di spazio e sospensione.

“Murale della sede UNESCO” (1957–58)

• Una delle sue grandi opere pubbliche: ceramica murale realizzata insieme a Josep Llorens Artigas, esempio di impegno artistico per la pace e l’universalità della cultura.

Costellazioni

Dipinti su carta “preparata” involontariamente, quella usata per pulire i pennelli precedentemente.

“Donna e uccello” (1982)

• Una delle sue ultime sculture monumentali, collocata a Barcellona nel Parco Joan Miró.
• Combina erotismo e simbolismo attraverso una forma totemica e solare.

---

Miró e il Surrealismo

Anche se ritenuto uno dei surrealisti “puri”, Miró fu un outsider rispetto al gruppo di Breton. Non cercava di illustrare sogni, ma di creare una nuova forma di realtà poetica, fatta di segni che si muovono liberamente nello spazio, come parole in una poesia visiva.

Automatismo, antinaturalismo, libertà assoluta, lo rendono una figura centrale del movimento, ma anche ponte verso le avanguardie americane (action painting, arte gestuale).

Influenza e eredità

• Anticipa in parte il graffitismo, l’arte concettuale e informale.
• La sua arte ha ispirato artisti come Pollock, Calder, Klee, Basquiat, Haring.
• Oggi è considerato uno dei più amati e accessibili pittori del Novecento, capace di parlare sia ai bambini che ai grandi con una lingua semplice e universale.

---

René Magritte (1898–1967)

Pittore belga, nato a Lessines, è noto per le sue immagini enigmatiche e poetiche, in cui oggetti comuni sono collocati in contesti insoliti, sfidando la logica e la percezione. A differenza di altri surrealisti, Magritte rifiuta l’informalità e l’automatismo: la sua è una pittura lucida, fredda e precisa, che crea un cortocircuito tra immagine e significato.

Inizia a dipingere giovanissimo. Studia all’Académie Royale des Beaux-Arts di Bruxelles. Dopo un primo avvicinamento al futurismo e al cubismo, scopre il surrealismo grazie a Giorgio de Chirico, che influenzerà profondamente la sua poetica. Nel 1927 si trasferisce a Parigi, dove entra in contatto con il gruppo di André Breton. Dopo qualche anno torna a Bruxelles, mantenendo uno stile personale e coerente per tutta la vita. Vive in modo appartato, con la moglie Georgette, conducendo un’esistenza borghese che contrasta con le immagini sovversive delle sue opere.

---

Poetica e stile

Magritte gioca con la relazione tra immagine e parola, apparenza e realtà. Le sue opere sono come enigmi visivi, pensati per suscitare stupore e riflessione.

• Dipinge oggetti realistici, ma fuori contesto, ingranditi, nascosti, ripetuti o resi incongruenti.
• Ricorre a figure comuni (mele, bombette, nuvole, tende, corpi) per trasformarle in simboli disturbanti.
• Le sue tele non rappresentano sogni, ma sono problemi logici e concettuali, come indovinelli da decifrare.
• Spesso inserisce parole nei quadri, con un tono ironico e filosofico (“Ceci n’est pas une pipe”).
• Adotta un realismo freddo e dettagliato, che rende ancora più inquietante l’assurdità delle sue scene.

---

Opere principali

“La trahison des images” (1929)

Mostra una pipa e sotto la scritta “Questa non è una pipa”. È un paradosso: l’immagine è una rappresentazione, non l’oggetto reale. Con quest’opera, Magritte mette in discussione la fiducia nella rappresentazione, anticipando l’arte concettuale.

“Il figlio dell’uomo” (1964)

Un uomo in giacca e bombetta ha il volto coperto da una mela verde. Simbolo dell’occultamento e del desiderio di vedere oltre l’apparenza. L’uomo-bombetta è un alter ego dell’artista, figura anonima e universale.

“Gli amanti” (1928)

• Una coppia si bacia, ma i volti sono coperti da teli bianchi.
• Una scena romantica e allo stesso tempo inquietante, che riflette il desiderio e l’impossibilità di conoscenza reciproca.
• Si lega anche al trauma personale della morte della madre, ritrovata con il volto coperto.

“L’impero delle luci” (1953–54)

• Un paesaggio con cielo diurno e strada notturna.
• Paradosso temporale e atmosferico: la tela è calma e ambigua, crea tensione senza spiegazione.

“La condizione umana” (1933)

• Una tela dipinta mostra esattamente il paesaggio dietro: il quadro si confonde con la realtà.
• Un raffinato gioco sulla percezione e sulla relazione tra realtà e rappresentazione.

---

Magritte e il Surrealismo

• Parte del gruppo surrealista parigino, ma meno incline al misticismo e all’automatismo.
• La sua è un’indagine razionale e filosofica sul mistero del visibile.
• Ha influenzato non solo l’arte ma anche la pubblicità, il cinema, il design.
• Spesso viene associato al concettualismo e all’iperrealismo.

---

Tecnica

• Usa colori tenui, luminosi ma sobri, per dare verosimiglianza alle immagini irreali.
• Predilige una pittura liscia, senza pennellate visibili, per aumentare l’effetto di illusione.
• La composizione è spesso centrata, simmetrica, con equilibri classici traditi da un dettaglio perturbante.

---

Eredità e influenza

• Magritte ha influenzato profondamente artisti come Andy Warhol, Jasper Johns, Duane Michals, John Baldessari.
• Le sue immagini sono ancora oggi iconiche, citate in ogni ambito culturale, per la loro forza simbolica e visiva.
• Il Museo Magritte a Bruxelles conserva molte delle sue opere e documenti personali.

---

Salvador Dalí (1904–1989)

Pittore, scultore, scrittore e cineasta spagnolo, Salvador Dalí è uno degli artisti più celebri del XX secolo, noto per la sua immaginazione travolgente, le sue composizioni visionarie e il suo stile inconfondibile, capace di trasformare i sogni in immagini iperrealistiche. La sua arte si muove tra surrealismo, psicoanalisi, classicismo e religione, incarnando un mondo personalissimo, ricco di simboli e ossessioni.

Nato a Figueres (Catalogna), Dalí dimostra fin da piccolo una forte inclinazione per l’arte. Studia all’Accademia di Belle Arti di Madrid, dove entra in contatto con i futuri grandi artisti e intellettuali spagnoli, come Federico García Lorca e Luis Buñuel. Negli anni ’20 si avvicina al Surrealismo, aderendo al gruppo parigino guidato da André Breton, anche se con spirito del tutto personale e provocatorio. Nel 1929 conosce Gala, che diventerà sua musa e compagna per tutta la vita. Nel dopoguerra si avvicina al misticismo cattolico e al classicismo rinascimentale, abbandonando gradualmente il surrealismo ortodosso. Muore nel 1989 a Figueres, dove oggi si trova il Teatro-Museo Dalí, da lui stesso progettato.

---

Stile e poetica

• La pittura di Dalí si distingue per l’estrema precisione tecnica, il gusto per il dettaglio e l’illusione ottica.
• Adotta uno stile iperrealistico per rappresentare contenuti visionari, bizzarri, spesso inquietanti.
• È ossessionato da temi come il tempo, la morte, il desiderio, la religione, la scienza.
• Celebre il suo metodo “paranoico-critico”, con cui trasforma allucinazioni e sogni in immagini coerenti e strutturate.
• Fortemente influenzato da Freud, dalla psicoanalisi e dalla simbologia onirica.

---

Simboli ricorrenti

• Orologi molli: il tempo liquido e relativo, ispirato alla teoria della relatività.
• Formiche e insetti: simboli di decomposizione, eros e morte.
• Cassetti nei corpi umani: l’inconscio freudiano e le memorie nascoste.
• Paesaggi desertici: l’inconscio come spazio mentale e solitario.
• Figure molli e deformate: perdita di identità, metamorfosi, subconscio.

---

Opere principali

“La persistenza della memoria” (1931, MoMA, New York)

• L’opera più celebre: paesaggio irreale con orologi molli che si sciolgono.
• Riflessione sul tempo come illusione, sull’inconscio e sulla relatività.
• La composizione è silenziosa, rarefatta, dominata da una luce innaturale.

“La tentazione di Sant’Antonio” (1946)

• Visione onirica e surreale del santo assalito da tentazioni sotto forma di animali con zampe sottili e lunghe.
• Contrasto tra spiritualità e desiderio carnale.
• Atmosfera visionaria e minacciosa, fortemente simbolica.

“Sogno causato dal volo di un’ape intorno a una melagrana un attimo prima del risveglio” (1944)

• Opera che esplora la teoria freudiana dei sogni provocati da stimoli esterni.
• Gala galleggia nel vuoto mentre elefanti e tigri emergono da una visione onirica.
• Titolo lunghissimo e descrittivo, come spesso in Dalí.

“Il Cristo di San Giovanni della Croce” (1951)

• Fase “mistica”: Cristo visto dall’alto, in una composizione geometrica e dinamica.
• Unisce la spiritualità alla scienza, come nella prospettiva rigorosa della croce.

“L’enigma di Hitler” (1939)

• Visione surreale e premonitrice della Seconda Guerra Mondiale.
• Hitler visto come figura tragica e minacciosa in uno scenario onirico.

---

Dalí e il cinema

• Collabora con Luis Buñuel nei film surrealisti “Un chien andalou” (1929) e “L’âge d’or” (1930).
• Lavora anche a scenografie per Hitchcock (“Io ti salverò”, 1945).
• Realizza progetti con Walt Disney (corto “Destino”).

---

Confronto con altri surrealisti

• Diversamente da Magritte o Ernst, Dalí è esibizionista, barocco, teatralmente egocentrico.
• A differenza di Miró, la sua pittura è più figurativa e meno astratta.
• Breton lo soprannominò “Avida Dollars” per la sua ambizione commerciale, tanto che fu espulso dal gruppo surrealista negli anni ’40.

---

Eredità e influenza

• Dalí è stato uno dei primi artisti a costruire un personaggio pubblico come parte della sua arte.
• Ha influenzato la pop art, il design, la moda, il cinema.
• La sua immagine iconica (baffi, sguardo magnetico) è diventata simbolo della creatività visionaria.

---

Frida Kahlo (1907–1954)

Frida Kahlo è una figura emblematica dell’arte del XX secolo. La sua produzione artistica, fortemente autobiografica, unisce elementi del realismo, del simbolismo, del surrealismo e del folclore messicano. È nota non solo per la potenza espressiva dei suoi dipinti, ma anche per il suo ruolo di donna libera, anticonformista, rivoluzionaria e femminista.

---

Vita e formazione

• Nacque a Coyoacán, un sobborgo di Città del Messico, in una famiglia di origini tedesche e messicane.
• A 6 anni contrasse la poliomielite e a 18 fu coinvolta in un gravissimo incidente che le causò fratture multiple e danni permanenti: visse tutta la vita tra dolori, ospedali e operazioni.
• Durante la lunga convalescenza iniziò a dipingere, utilizzando uno specchio sul letto per ritrarsi: così nacque la sua profonda arte introspettiva.
• Sposò il grande muralista Diego Rivera nel 1929: il loro matrimonio fu tormentato ma artisticamente fertile.
• Frequentò intellettuali, artisti e rivoluzionari tra cui Trotsky, André Breton e Tina Modotti.
• Morì nel 1954, dopo anni di sofferenza, lasciando un corpus di circa 150 opere, perlopiù autoritratti.

---

Stile e poetica

• L’arte di Frida è profondamente autobiografica: racconta la propria vita, il corpo ferito, l’amore, la maternità mancata, il dolore fisico e psicologico.
• Si ispira all’arte popolare messicana, ai retablos, alla pittura religiosa votiva, al simbolismo e alla natura.
• I suoi lavori combinano realismo e simbolismo: animali, cuori trafitti, sangue, lacrime, piante, feti, arti artificiali.
• Sebbene sia stata accostata al Surrealismo, Frida dichiarò: «Non dipingo sogni, dipingo la mia realtà».

---

Temi ricorrenti

• Il corpo e il dolore: vissuto con dignità, ma rappresentato con crudezza.
• La dualità: tra identità europee e messicane, tra Frida e Diego, tra vita e morte.
• Il Messico: paesaggi, abiti tradizionali, colori, animali totemici (scimmie, cani, colibrì).
• L’autoritratto: mezzo per conoscere e affermare sé stessa in un mondo dominato dagli uomini.

---

Opere principali

“Autoritratto con collana di spine e colibrì” (1940)

Frida si ritrae con un collare di spine che le lacera il collo, simbolo di sofferenza e martirio. Un colibrì nero (morto) pende come amuleto; alle sue spalle, una scimmia e un gatto nero. Riferimenti alla Cristologia, ma in chiave laica, personale e femminile.

“Le due Frida” (1939)

• Due versioni della pittrice siedono mano nella mano: una con abito europeo, l’altra in veste messicana.
• I loro cuori sono esposti, legati da una vena sanguinante: riflessione sull’identità divisa, sull’amore e l’abbandono.
• Dipinto subito dopo la separazione da Rivera: una delle opere più drammatiche.

“La colonna rotta” (1944)

• Frida si ritrae con il busto squarciato, da cui emerge una colonna ionica spezzata: il corpo come architettura fragile.
• Simbolo delle sue sofferenze fisiche croniche e della solitudine esistenziale.
• Le lacrime, le bende e i chiodi rievocano il martirio e la tradizione cristiana.

“Diego nei miei pensieri” (1943)

• Autoritratto in cui il volto di Rivera è disegnato sulla fronte della pittrice.
• Simboleggia la sua dipendenza emotiva e intellettuale dal marito, nonostante le infedeltà.

“Il cervo ferito” (1946)

• Il volto di Frida appare su un cervo trafitto da frecce: emblema del dolore e della vulnerabilità.
• Rappresenta il corpo spezzato, le aspettative deluse, la resilienza animalesca della pittrice.

---

Frida e il Surrealismo

• André Breton la definì “una surrealista nata”, ma Frida rifiutò l’etichetta.
• La sua arte è intima, viscerale e simbolica, ma legata al vissuto, più che all’automatismo psichico.
• Affronta il corpo femminile in un modo senza precedenti: soggetto non oggetto.

---

Frida oggi

• È diventata un’icona globale, amata per la sua arte e per la forza del suo messaggio.
• Simbolo di resilienza, libertà, identità di genere, cultura femminile e latinoamericana.
• Oggetto di mostre, film (celebre “Frida” con Salma Hayek), merchandising e omaggi in tutto il mondo.

---

Il Surrealismo ha trasformato radicalmente il modo di intendere l’arte, ponendo al centro la psiche, il sogno, il desiderio e il mistero dell’immaginazione. Ogni artista ha dato una forma diversa a questo spirito:

• Ernst: esperimenti materici e automatismo
• Miró: leggerezza e segni onirici
• Magritte: ironia concettuale
• Dalí: precisione visionaria
• Kahlo: introspezione dolorosa e simbologia culturale

---

Il legame tra il Surrealismo e Sigmund Freud 

Il legame tra il Surrealismo e Sigmund Freud è profondo e strutturale: senza le teorie freudiane, il Surrealismo – almeno come lo conosciamo – non sarebbe mai esistito. André Breton stesso, fondatore del movimento, fu medico psichiatra e grande lettore di Freud, e definì il Surrealismo come «automatismo psichico puro» finalizzato a esprimere il funzionamento reale del pensiero, libero da logica e morale.

1. Il sogno come via verso l’inconscio

Freud, con l’opera L’interpretazione dei sogni (1899), sosteneva che il sogno fosse la “via regia per l’inconscio”, un linguaggio simbolico in cui si manifestano desideri repressi, traumi, ansie e pulsioni.
I surrealisti accolsero pienamente questa idea, scegliendo il sogno come spazio creativo privilegiato, nel quale la realtà può assumere forme ambigue, metamorfosiche e cariche di significati profondi. Opere come La persistenza della memoria di Dalí o Il carnevale dell’Arlecchino di Miró sembrano provenire direttamente da una mente in stato onirico.

2. L’automatismo psichico

Freud incoraggiava i suoi pazienti a esprimere liberamente tutto ciò che veniva loro in mente, tecnica nota come associazione libera. I surrealisti trasformarono questo metodo in una pratica creativa: l’automatismo surrealista, sia nella scrittura che nella pittura, consisteva nel lasciare fluire liberamente immagini e segni dal subconscio senza l’intervento della coscienza o del controllo razionale.
Esempio: Max Ernst con il frottage e il grattage, tecniche meccaniche che permettevano l’emergere di forme impreviste.

3. Il perturbante (das Unheimliche)

Freud descrisse il concetto di “perturbante” come ciò che è allo stesso tempo familiare e stranamente inquietante, spesso legato al rimosso che ritorna. Questa idea influenzò profondamente artisti come Magritte, che trasformava oggetti comuni (una mela, un cappello, una finestra) in enigmi visivi che evocano inquietudine e ambiguità.

4. Eros e Thanatos: pulsioni di vita e di morte

Freud parlò del conflitto tra le pulsioni vitali (Eros) e quelle distruttive (Thanatos). Molte opere surrealiste affrontano questi temi: corpi smembrati, erotismo contorto, simboli sessuali ambigui, atmosfere sospese tra piacere e angoscia.
Frida Kahlo, pur non dichiarandosi surrealista, tradusse queste forze in una narrazione visiva del dolore fisico ed emotivo, spesso intrecciata con il desiderio e la morte.

5. Il doppio e l’identità

Un altro concetto freudiano importante è quello del “doppio”, dell’identità scissa e riflessa, del Sé e dell’Altro. Questi elementi appaiono, per esempio, nei doppi personaggi di Magritte o nei numerosi autoritratri moltiplicati di Frida Kahlo (Le due Frida), in cui l’identità non è più unitaria ma conflittuale.

L’influenza di Freud sul Surrealismo è:

• teorica: attraverso la psicoanalisi e lo studio dell’inconscio;
• metodologica: nell’uso dell’automatismo e della libera associazione;
• tematica: nei soggetti onirici, erotici, perturbanti e simbolici.

Il Surrealismo fu quindi una forma d’arte profondamente psicoanalitica, che volle dare immagine a ciò che Freud cercava di rivelare con le parole: il mondo invisibile che agisce sotto la superficie della coscienza.